Estoy cabreado, y mira que es difícil que eso suceda, pero así son las cosas. Quien me conozca en persona puede dar fe de que eso es bastante raro que suceda y encima voy yo y me cabreo por algo que no deja de ser una chorrada descomunal.

Actualmente, aparte del dichoso mundial ese de fútbol de las narices (wow, este miércoles podremos saber quién es la nación más fuerte del mundo, Méjico o Portugal... si no gana Portugal es que me suicido), se está disputando la final de la ACB, y ha querido la vida que el equipo del que soy “hincha” (único deporte y único equipo con el que me pasa) sea uno de los finalistas, en concreto el Tau Baskonia. Pues bien, el otro día perdió el primer partido con todo merecimiento y quizá por menos puntos de los merecidos con un final de partido desastroso... pero hoy ... hoy me he pillado un cabreo de la ostia

La cosa es simple, partido disputado, arbitraje claramente favorable al otro equipo (Unicaja, curiosamente el segundo que más simpatias me despierta) y victoria ajustada para los malagueños por 5 puntos de diferencia. Por el camino, un Tau bastante tocado (un jugador importante lesionado, otro recién salido de una lesión importante) aguanta en el marcador, se pone hasta por delante... pero el arbitraje a lo suyo y yo cabreándome cada más. Al final, victoria para ellos, pues muy bien, pero si yo no espero que alguien felicite la victoria del Tau cuando se produce de forma injusta y por los árbitros (que han sido varias veces, pero nunca en encuentros tan trascendentes)... no puedo felicitar al otro equipo cuando las cosas se dan al revés. Hasta aquí, me mosqueo cinco minutos y a otra cosa mariposa... pero es que encima tengo que leer varios comentarios de hinchas del otro equipo diciendo que el arbitraje nos ha favorecido y bla bla bla. Eso ya me toca las narices demasiado. Sé que es ridículo mosquearse por algo así, irracional, insensato... pero al menos creo que he podido canalizarlo de forma no ofensiva en el texto, porque con desahogarme así me vale... y ahora... nada más... que bastante ajustado voy de tiempo últimamente como para permitirme más ratos ociosos así...

2-0 y ahora 2 partidos en Vitoria.... la verdad... que ganen el primero directamente ellos... que llegando al quinto doy por seguro al 150% otro caso así, y 2 en tan poco tiempo... no es plan.

No voy a negar que le tenía ganas desde hace tiempo a la cinta de Jack Arnold, pero no esperaba ninguna maravilla indiscutible pese a ciertos comentarios entusiastas. Pues me equivocaba. Desde la aparición de la misteriosa niebla que impregna los poros del personaje principal, el filme comienza un memorable crescendo de interés hasta casi convertirse en una película muda. La tragedia del empequeñecimiento del protagonista se acompaña primero con la morbosa reacción del público y el sentimiento de ser un freak por su parte, lo cual le sume en el abatimiento. En esos momentos, las excelencias de la propuesta no son más que un preludio de lo que nos espera. El acecho del gato, el micromundo que se forma en el sótano de la casa con nuestro protagonista totalmente desamparado, su nueva vivienda, la inundación, la aparición de un nuevo enemigo  que entronca con una de las fobias más extendidas entre los seres humanos, en definitiva, la cinta eleva el suspense de forma angustiante a la par que el personaje sigue menguando y menguando... ¿hasta dónde?. Extraña un poco el desenlace por el que apuesta la película, pero no molesta para nada. Tras quedar KO ante “El increíble hombre menguante” tenía mis dudas sobre la conveniencia de completar la sesión triple prevista, pero finalmente me decidí a ver “Jules et Jim” con muy pocas esperanzas de que estuviera a la altura. Qué tonto que fui.

Hasta la fecha mi relación con Truffaut se limitaba a unos minutos (no muy interesantes me permito añadir) de “El pequeño salvaje” y la tremenda decepción que supuso “Los cuatrocientos golpes” (le reconozco ciertos méritos y rescato algún momento puntual, pero, en general, me resultó más bien mediocre). No obstante, la innegable crisis entre nuestro deseado idilio se ha resuelto de un plumazo con la desbordante magistralidad de “Jules et Jim”. Acertar a resumir lo que nos ofrece esta película es muy difícil sin revelar parte de su encanto, por lo que mejor hablar de los tres vértices en los que se asienta la función. Jules es el más sentimental del trío, lo cual le convierte en el más frágil y el primero en “dejarse vencer” por el amor. Jim es más reflexivo y cuidadoso con sus actos, lo cual le guarece de ese sentimiento durante un tiempo, pero tarde o temprano siempre acaba venciendo. Por su parte, Catherine es la fascinación, lo inalcanzable (al menos de forma plena) que no podemos evitar desear aunque ello nos resquebraje por dentro. La relación entre los tres vertebra la película, pero un guión plagado de maravillosas pequeñas reflexiones (perdí la cuenta de las frases memorables que contenía) y una loable voz en off (otro elemento de unión con “El increíble hombre menguante” aparte de la maestría de ambas) atrapa al espectador y no le deja ir hasta mucho después de terminada la película que oscila entre lo ágil, reflexivo, desbordante y subyugante de forma magistral, ya que consigue mantenernos presos hasta en los escasos momentos en los que parece caminar por aguas pantanosas.

El problema de “ingerir” dos obras de tanta calidad de seguido es que te absorben hasta un punto indescriptible en el cual, una vez consigues acallar el eco de las maravillas de una, la otra película aguarda al acecho para inutilizar tu cerebro más allá de la reflexión sobre el propio filme. Alrededor de dos horas (y eso que me acosté sobre las 4 de la mañana) fueron las que tardé en conseguir dormirme por el rechazo de mi cerebro a dejarlas de lado, y aún ahora sigo superado por esa intensa sesión de auténtico cine. No obstante, la vida sigue y ¿Qué película elegí para intentar mantener tal racha? La “afortunada” (con tales precedentes tenía muy difícil estar a la altura) fue “Hasta que llegó su hora”, la cual me venía precedida de ciertos comentarios aupándola al Olimpo del cine. ¿El resultado? Otra cinta deslumbrante.

La utilización del tiempo por parte de Leone se aleja bastante de lo común, acercándola a lo contemplativo por encima de la importancia de lo que nos presenta. Lo que le aleja de cineastas como Kim Ki Duk es que no busca la belleza en parajes que ya lo son, sino que de un espacio desértico y polvoriento extrae imágenes de innegable belleza estética. Todo ello aderezado con un ritmo pausado, casi de forma obsesiva, que convierte casa pequeña acción en algo con una fuerza poderosa. El director italiano nos propone una reflexión sobre el final de una época (el rudo oeste) en contraposición con la llegada de otra (la conspiración por intereses económicos ligada al progreso de la sociedad). No obstante, son los últimos coletazos de los personajes en vías de extinción los que ayudan a convertir “Hasta que llegó su hora” en una obra extasiante. La venganza de Harmonica (una especie de muerto viviente con una sola idea en mente, aunque con la clara decisión de posponerlo hasta el momento idóneo), el despreciable Frank (la muerte de los demás parece su único remedio para todo pese a su coqueteo con otro tipo de solución), la ruindad de Morton (el detonante de todo) o los esfuerzos de Jill (una antigua prostituta con una trabajada capacidad de supervivencia) se compenetra con la (por una vez) estupenda rigidez facial de Charles Bronson y la música de su armónica, la hechizante y maligna mirada de ojos azules de un magnífico Henry Fonda, la fragilidad de Gabrielle Ferzetti, la indiscutible sensualidad de Claudia Cardinale o la eficiencia de Jasón Robards como Cheyenne (personaje que no destaco simplemente porque no me apetece, aunque también lo merecería).

Además, una maravillosa banda sonora de Ennio Morricone y la estupenda fotografía de Tonino Delli Colli se unen a la casi inmaculada labor en la dirección de Leone para lo que durante muchísimos momentos parece  una obra maestra indiscutible. Poco importa la dilatación temporal, la escasez de diálogos o que la historia podría haberse contado en la mitad de metraje. Lo que hubiera sucedido entonces es que la película hubiera perdido su toque especial, con indiscutibles raíces en el cine del oeste, pero más cercana a una cinta reflexiva, con todos los elementos de lo que debería ser un buen western (género del que me declaro muy poco seguidor), pero sublimando su importancia dentro del discurso que se nos propone. Algunos pocos verán aburrimiento en su lugar, pero, en este caso, no es culpa de la película. La pega es que uno o dos momentos sí transmiten la sensación de estar alargados (muy poco, eso sí) más de la cuenta y la presencia algún primer plano estéril y algo molesto “ensucia” ligeramente el conjunto. No obstante, la grandiosidad del conjunto (y de momentos aislados como el insuperable comienzo, el enfrentamiento final, el encuentro entre Frank y sus hombres y el niño superviviente, la escena de “amor”, etc. Son demasiados para poder enumerarlos todos) y el discutible efecto (uno siempre tiende a esperar algo mejor) de los visionados precedentes me permiten perdonárselo, algo que, por poner un ejemplo interesante en este caso, no me sucede con el innegable bajón de “El bueno, el feo y el malo” (también plagada de momentos acojonantes, aunque seguramente no tanto como los de la que nos ocupa) antes de su resolución.

Al final he escrito más de la cinta que menos me ha impactado de las tres (los comentarios y visionados precedentes se lo ponían difícil), pero no estoy para nada seguro de que sea la menos obra maestra del trío (ojalá todas las dudas fueran de esta naturaleza), ya que mi desinterés por el género también jugaba en su contra. Por ahora, el tiempo y mi cerebro dictarán sentencia. De momento, toca volver a la realidad y ni tan mal si ha venido de la mano de una cinta excelente como “Historias de Filadelfia”.

Freddy Krueger es mi psicópata favorito y voy a intentar explicar este hecho: Desde que Norman Bates diese vida al modelo a seguir de asesino moderno creo que ha habido cinco psicópatas destacables por encima del resto (algunos no los incluyo por no ser especialmente afines al tipo de killer al que me refiero, como sería el caso del refinado Hannibal Lecter; y a otros por no haber tenido tanta repercusión como El hombre alto de “Phantasma” o Candyman), que son Cara de Cuero (“La matanza de Texas”), Michael Myers (“La noche de Halloween”), Jason Voorhees, Freddy Krueger y Chucky (“Muñeco Diabólico). Descartemos totalmente de entrada a Myers por ser bastante soso (lo siento, pero la cinta de Carpenter me parece que está muy sobrevalorada. El tema musical es cojonudo, pero Myers ni impone respeto ni nada) para mis malsanos gustos. Después tenemos a Chucky, una delicia de psychokiller pero demasiado deudor de Freddy Krueger (no hay más que ver su vestimenta, los comentarios que hace...), y en lo referente a Cara de Cuero (también conocido como Leatherface) su problema es no haber sido tan trabajado como sus dos grandes rivales, pues pese a una brillante primera entrega, luego su interés se diluía con una facilidad inusitada. Nos quedan Freddy Krueger y Jason Voorhees (pronúnciese “burjis” y no de la horrible forma en que lo hacen “Freddy vs. Jason”). ¿Cuál es el problema del segundo?. Pues que matar sin ton ni son se hace divertido al principio, pero acaba por hacerse aburrido, y si encima el esquema argumental se repite una y otra vez, pues el atractivo casi desaparece. Mientras que con Krueger nos encontramos a un asesino y manipulador a partes iguales. Freddy no se contenta con matarte sin más (bueno, en la primera parte tal vez sí, pero ahí el personaje aún mantenía la seriedad de la que después careció por completo), sino que te usa como si fueras una marioneta y ataca primero a tu psique, para después acabar contigo usando las cuchillas de su mítica garra.

El texto acababa ahí, pero debido a mi devoción por el psychokiller lanzo una pregunta al aire ¿Hay vida en el cine actual para psychokillers que sueñen con aspirar con competir con los “más grandes”? Hecho un vistazo al cine de los últimos diez años y los ejemplos que me vienen a la mente son francamente descorazonadores. Ghostface (de “Scream”) contaba a su favor con un atuendo estimable y unos métodos nada desdeñables. Además, la máscara me recuerda de forma inapelable a “El grito” de Munch y eso es otro punto a su favor. Pero la tendencia a humanizar al persona lo fastidia todo. En cada entrega nos encontramos con personas distintas movidas por la venganza. Vale, muy bien, pero la venganza es la base de potrocientos mil asesinos cinematográficos y es algo que me interesa tres pimientos. A la sombra del éxito de “Scream” surgió El Pescador de “Sé lo que hicisteis el último verano”. Bien, aquí respetan el obligado componente sobrenatural, pero falla en que las películas son una mierda. La primera aún tiene su aquel en un día de muy baja exigencia, pero la segunda es para quemar la casa y asesinar a la familia del desgraciado que dio luz verde a ese “guión” (dudo que merezca tal nombre y no el de insulto a la inteligencia). Más incidió en el componente sobrenatural el Creeper de “Jeepers Creepers”, pero sus métodos me recordaron sobremanera a Pennywise de “It”. La película estaba guay, pero el killer no era nada del otro mundo. Me dejo varios ejemplos por el camino (los de “Leyenda Urbana”, los de la simpática “Km. 666” y muchos más... pero su relevancia me parece mínima) para llegar al máximo exponente actual: Puzzle de “Saw”. Bien, tiene una mente podrida y un estilo muy interesante en el que él se libra de la culpa real de los asesinatos. La cosa promete... pero el ansia de dinero fácil lo fastidió todo con una flojísima segunda entrega (de la que apenas salvo detalles como el hoyo de jeringuillas) cuyo desenlace pretende subsanar el principal detalle que echa por tierra la credibilidad del personaje (no lo voy a revelar para aquellos que no lo hayan visto, pero teniendo en cuenta su estado y lo que quieren hacernos creer en la primera entrega... cuesta MUCHO perdonar ese detalle). Además, nos prometen varia secuelas más que, a buen seguro, matarán todo el interés del personaje. Sé que hay películas individuales interesantes en este punto, pero yo quiero un psychokiller al que admirar y vitorear sus asesinatos a lo largo de varias entregas ¿Acaso pido tanto? Ains, Freddy, con lo que yo disfrutaba con tus salvajadas oníricas...

Es curioso que ante tal panorama haya visto las tres películas de Patricia Ferreira casi sin percatarme de ello. “Para que no me olvides”, la cinta que nos ocupa, supone la confirmación en el interés ascendente de su obra, la cual se inició con la mediocre “Sé quién eres” (la cual me recordó a la espléndida “Recuerda”, pero en una versión muchísimo menos interesante) y continuó con la entretenida “El alquimista impaciente” (cinta que tuvo cierto eco en su día por tener en su reparto al famoso actor porno Nacho Vidal) para ofrecernos ahora su película más conseguida. En esta ocasión, Ferreira se decanta por un drama intimista sobre la pérdida de un ser querido y la dificultad para superarlo que, en ciertos momentos, recuerda a la notable “La habitación del hijo”, aunque la cinta italiana se centra sobremanera en la influencia de la muerte en su padre y Ferreira prefiere darnos de una visión con más matices de la forma de sobrellevar la muerte de alguien a quien amamos.

La cinta destaca el protagonismo de Fernando Fernán Gómez, pero conviene no dejarse engañar por este dato. El veterano actor tiene un rol profundamente afable y conciliador, pero su peso en la película es menor. Su Mateo refleja a un hombre al que el dolor debió destrozar en su época, pero con el paso del tiempo ha aprendido a sobrellevarlo de la mejor forma posible. Es él el espejo en el que hay que mirar a las dos principales protagonistas femeninas. Me vais a permitir, aunque oficialmente ella conste como secundaria (con todo merecimiento fue nominada al Goya de mejor secundaria), que comience hablando de la bellísima Marta Etura. Ella es Clara, la novia de David, con el cual acaba de irse a vivir juntos y cuya muerte supone un golpe difícil de superar que la deja destrozada. No obstante, prefiere asumir la pérdida y mantener en su corazón a David, lo cual la destroza más en primera instancia. Hasta ahora siempre decía que Marta Etura me parece una actriz con una belleza por encima de cualquier tipo de discusión (y con una sonrisa que desarma y enamora con una facilidad preocupante), pero interpretativamente tenía mis dudas ante la irregularidad mostrada en las tres películas suyas que había visto hasta el momento. Pues bien, mis dudas han quedado totalmente disipadas ante la excelente actuación de Etura que consigue hacerte empatizar con los complejos sentimientos de su personaje. Bravo. También muy estimable resulta el trabajo de Emma Vilarasau, actriz que se ganó mi beneplácito por su trabajo en “Los sin nombre”, pero a la que había perdido la pista desde entonces. En “Para que no me olvides” interpreta a la madre de David, una mujer fuerte y decidida cuya relación con su hijo no pasa por su mejor momento. Quizá por eso la negación de la misma existencia de David supone la única salida que ella considera viable para su dolor, pero negar el dolor no hace que desaparezca. Vilarasau completa una actuación difícil con buena nota, pero a mi juicio está por debajo de las prestaciones de Etura.

Es en su mensaje donde “Para que no me olvides” se convierte en una muestra de interesante cine español. En la vida los buenos y los malos momentos son tan numerosos como imprevisibles, pero cuando los dolorosos se presentan de forma tan imprevista la vida parece perder sentido. Es cierto que nunca nadie ha podido garantizarnos que en la vida no íbamos a sufrir, a padecer dolores tan intensos y difíciles de curar que, en ocasiones, hasta casi preferiríamos no estar vivos, pero hay que continuar adelante. Es lo único que nos queda. No hay que buscarse escudos imaginarios ni hundirse a niveles subterráneos, porque no nos sirve de nada. Bueno sí, para desahogarnos (pero tampoco es cuestión de excederse, todo tiene un límite) y para eliminar posibilidades de alegrías en esos momentos en los que nada nos importa. La película de Ferreira incide en los tres puntos de vista posibles (cierto que cada uno podría tener matices muy distintos, pero una película así no conviene saturarla con personajes cuando es lo que transmite lo que realmente importa), habla de la experiencia del dolor, de lo imprevisto de su aparición y de muchas cosas relacionadas con ello. Probablemente, del dolor es de donde más enseñanzas podemos conseguir. El dolor es un ingrato maestro, pero sin duda efectivo.

Releyendo lo escrito parece que considere una gran película a “Para que no me olvides”, pero no quiero que nadie caiga en ese error. El filme de Ferreira es honesto y consecuente con lo que propone, pero es algo irregular y los momentos brillantes son menores de los que uno desearía con tan estimulante material. No obstante, lo que sí puede decirse es que es una muy buena película que no engaña a nadie y que destaca por las excelentes interpretaciones de su trío principal de actores, lo cual no es poco.

Hasta anoche había visto apenas dos películas de Berlanga, las dos brillantes, pero con una serie de pequeños fallos. A “Bienvenido Mr. Marshall” le sobra la secuencia del sueño y, al menos en la copia de la que disponía, había una serie de cortes extraños que te desconcertaban. En el caso de “El verdugo” lo único que molesta (aunque no es esa la palabra más adecuada) es que la película no incida algo (no mucho, que pasarse sería peor que quedarse corto en este caso) más en su tono cómico y el dato de que el protagonista debía ser López Vázquez lo aclara todo. Con él, el tono inseguro del protagonista adquiriría matices muy diferentes y seguramente estaría hablando ahora de una obra maestra, pero no fue así y mi relativa insatisfacción (caray, que son películas excelentes las dos, pero uno las esperaba algo mejores) persistía, pero de repente llegó “Plácido”.

La propuesta de “Plácido” (más adecuado sería el  “Siente un pobre en su mesa” que la censura no permitió) “ tenía muchísimas papeletas para caer en un caos absoluto ante la existencia de una cantidad de personajes tan elevada (todos perfectamente definidos aunque apenas aparezcan en pantalla) que la dispersión de la trama era tarea sencillísima. Pero no, Azcona completa un guión magistral (aunque en el mismo colaboraron más personas de forma decisiva, incluído el propio Berlanga, pero el que le dio la forma definitiva fue Azcona) en el que seguimos las desventuras de ese pobre diablo llamado Plácido que quiere pagar la primera letra de su carromato, pero distintos acontecimientos se lo impiden. Por el camino, la película incide en la hipocresía que destila el acto de invitar a un pobre en época navideña cuando el resto del tiempo los dejas a su aire. Una sucesión de pequeñas historias, todas brillantes y con unos personajes tan entrañables que es imposible no adorarlos, incluido el caradura al que interpreta López Vázquez.  Además, el filme consigue mantenerte con la sonrisa en la cara y nos deleita con un puñado de carcajadas. Una pena que no esté Isbert, pero es que eso ya hubiera sido un milagro cinematográfico sin precedentes.

Algo peor (es lo que tiene ver una obra maestra antes, que salvo que tengas la enorme fortuna de ver dos de seguido, algo muy poco probable, pues entonces la siguiente sale perdiendo) es lo que nos ofrece “El cochecito”, aunque de entrada cuenta con un material más jugoso. Un viejecito con una vida apacible siente una envidia tremenda de todos sus amigos, ya que todos son inválidos y cuentan con un cochecito particular para viajar, lo cual desplaza del grupo al pobre hombre. Claro está, en la vida no se puede tener todo (como recuerda un personaje en determinado momento de la película), pero el personaje encarnado magistralmente por Isbert (menos entrañable de lo habitual, pero tan genial o más que en sus colaboraciones con Berlanga) hace todo lo que está en su mano para convencer a su familia. Vende las joyas de la familia, finge problemas en las piernas... tan patético como coherente con su deseo. La pega es que la familia sigue negándoselo, pero todo tiene un precio, a saber si el personaje de Isbert está dispuesto a pagarlo. “El cochecito” se apoya en su excelente guión y en la sublime labor de Isbert, pero flojea (muy levemente) en ciertas parcelas de su segundo acto y lo que fastidia que la censura (que en este caso también obligó a alterar el título original, pues iba a ser “Todos somos paralíticos”) no permitiera el desenlace deseado. Menos mal que, por lo que he leído, podré disfrutar hoy de él en “Versión Española”. De todas formas, una cinta excelente... y al fin con Isbert y López Vázquez algo más de tiempo juntos.

En fin, ojalá todas las sesiones dobles del futuro tengan este nivel, significará que estoy ante cine del realmente bueno (iba a poner cojonudo, pero igual no quedaba bien :P)

Una de las políticas habituales es la posibilidad de obtener regalos de dudosa calidad (me vienen a la memoria ciertas cosas que podías conseguir con los Phoskitos... ) y así he ido acumulando cosas como las que habéis visto en las imágenes. La verdad, los tazos fueron una fiebre tan extendida (y, de cuando en cuando, aún puedes conseguir tazos de nueva generación, pero ya no es lo mismo) que llegó incluso al baloncesto (con lo raro que es ver cualquier tipo de merchandising relacionado con mi deporte favorito...), pero el caso estrella (del cual no he podido encontrar nada entre los pocos, aunque bastantes más que los de la imagen, que tenía a mano) fue el de Chiquito de la Calzada (aunque lo de los Power Rangers también tiene su aquel...). Por el amor de dios, pensándolo ahora mismo resulta hasta enfermizo.

No obstante, si he rebuscado (literalmente) en mi baúl de los recuerdos ha sido para dar con el tazo extragrande de la imagen, porque lo de Matutano con sus snacks es algo de lo que ya he desistido a encontrar cualquier tipo de lógica. Cada dos por tres hay novedades y muchas desaparecen misteriosamente. A veces hacen bien, porque el caso de los “Kahuetos” y su horrible sabor a cacahuete revenido clamaba que rodaran cabezas,  pero otros casos me han decepcionado bastante. Por ejemplo, el mencionado tazo es deudor de un snack de corta vida cuya forma recordaba a la cabeza de Frankenstein y que yo compraba asiduamente los días que me esperaba media hora de paseo para ir al entrenamiento de fútbol. Un buen día se fueron y así quedó la cosa. Yo opté por lo de siempre: Seguir comprando las “guarradas” nuevas que salían, a veces con acierto, otras deseando no tener papilas gustativas por el “maravilloso” sabor del producto.

Pero bueno, yo había empezado a escribir todo esto para hablar un poquito de los nuevos “Cheetos Mundiales” (el que por el nombre no pille a que se debe su salida al mercado necesita una urgente renovación de neuronas). La idea es muy simple, mezclar los Pelotazos de toda la vida (qué ricos están los jodios...) con el presunto sabor a Ketchup de los Sticks (siempre fueron de mis menos favoritos, pero mientras otros iban desapareciendo para no volver... éstos persistían, con épocas en las que eran imposibles de conseguir... pero volvían) para ver si los más jóvenes o los adictos como yo picábamos. Pues se pueden ir yendo a la mierda, ya que el sabor se parece demasiado al de los puñeteros Sticks. Eso sí, tienen la forma de los pelotazos de toda la vida y uno puede seguir haciendo el tonto con lo de meterse goles en la boca (Sí, reconozco que lo hago XD) y, de este modo, desperdiciar unos cuantos que van al suelo. Ahora que lo pienso, al saber mucho peor podría intentar crear una plusmarca mundial de tirar pelotazos al aire y que entren en la boca, porque casi me daría igual que se fueran todos al suelo. Hmmm, creo que va siendo de acabar esto antes de que dudéis aún más de mi hipotética cordura mental.

P.D. Tiene cojones que, con la manía que le tengo, 2 de los 4 tazos de “Street Fighter” que poseo sean de Ryu.

P. D. 2: ¿Por qué narices retirarían del mercado los Drakis con lo condenadamente buenos que estaban?

P. D. 3: Sí, ya sé que también hay pins en la imagen y ni los he mencionado de pasada, pero me ha molado volver a verlos y he querido “colar” alguno (además el de “Parque Jurásico” va a ir directo a mi bandolera)  :P

La intensa campaña de promoción con la que Antena 3 estrenó esta teleserie (aunque la vendía como una película) levantó mi interés. Personas desaparecidas porque fuerzas alienígenas (aunque este matiz es muy alterado con el final de temporada) se las han llevado y unos años después reaparecen, así sin más. Un punto de partida bastante sugestivo, pero luego a la hora de la verdad no se ha concretado satisfactoriamente. Los personajes son de un interés muy irregular y, en general, la serie no engancha. La pega a mis comentarios es que la escasa duración de la primera temporada y su clara naturaleza de mero punto de partida (podría decirse que es un primer capítulo hiperextralargo) impide categorizar al respecto, porque lo que propone ofrece múltiples posibilidades. Veremos, si es que algún día Antena 3 se digna a continuar emitiéndola.

36- DARK ANGEL

Hace ya unos veranos que Antena3 estrenó esta serie que venía avalada por estar producida por James Cameron. El tema de la experimentación científica y similares me parece muy jugoso, pero “Dark Angel” apostaba bastante por la interrealación de los personajes y esa fue su principal losa, y es que los personajes de la serie eran, en su mayoría, unos sosos de mucho cuidado. Según avanzaba la temporada, las tramas fueron centrándose más en el pasado de la protagonista y entonces la cosa ganaba bastantes enteros. Por desgracia, la primera temporada acabó y nunca más se supo. Por cierto, la protagonista es Jessica Alba, muy conocida en la actualidad y cuyo salto a la fama se debió, en gran parte, a esta serie. Ella no lo hace mal, pero el personaje de Logan resulta más interesante.

37- HISTORIAS DE LA CRIPTA

Serie mítica de los comienzos de mi adolescencia. Me acuerdo de quedarme hasta tardecito despierto para ver qué me contaba cada semana el bueno del guardián de la cripta. La mezcla de terror, suspense y ciertas gotas de sexualidad (mi memoria me dice que fueron haciéndose más explicitas con el paso de las temporadas) me fascinaba en esos años, pero los años han pasado más mal que bien por ella. Argumentos simplones cuyo desenlace se ve venir a la legua es la tónica de la mayoría de las historias. De cuando en cuando, un director más competente se pone al cargo de algún episodio y la cosa gana bastantes enteros. Eso sí, “Historias de la cripta” sigue teniendo mi opening favorito de cuantas series de televisión he visto en mi vida, y ya veis que han sido muchas.

38- 7 VIDAS

Lo sé, hace poco más de una semana que llegó a su fin, pero acostumbro a mantener en mis listas las series finalizadas recientemente durante un breve lapso de tiempo. En su día comenzó como una declarada “Friends a la española” y funcionaba a las mil maravillas. Guiones ágiles, personajes carismáticos, risas cada dos por tres... El problema fue la sucesiva marcha de diferentes integrantes del reparto en un paulatino empeoramiento del mismo. Además, los guiones fueron rutinizándose más de la cuenta y las risas fueron sustituidas por el mero entretenimiento. La serie iba empeorando hasta que llegó la última y bastante lamentable temporada (el aprobado es regalado, por cuestión de nivel medio he preferido subirla a los aprobados, aunqu el global está netre las buenas, pero no era cosa de pasarse). Se ve que quisieron “atarla”antes de que perdiera toda dignidad. Yo la hubiera acabado en la temporada anterior (o quizá antes), aunque iniciativas como la del episodio 200 se agradecen bastante.

39- LOS SIMPSON

Tenía mis dudas sobre aprobar el nivel actual de la serie que más altas cotas de brillantez ha alcanzado de cuantas recuerdo, pero al final he decidido ser generoso. La serie tuvo un buen número de temporadas emblemáticas, cuyos capítulos en su día me sabía casi de memoria (hoy en día recuerdo un porrón de cosas, pero se me han escapado bastantes detalles), pero los guiones de la serie empeoraron de forma drástica con la marcha de los mejores guionistas a otros proyectos como la genial “Futurama”. Además, el doblaje en castellano (mítico y de muy alta calidad) empeoró de forma drástica con los cambios de voces, alguna obligada, pero es que aún así. Si unes guiones peores a voces distintas te encontrarás con muchos rechazos, y así ha sido. De cuando en cuando sale un capítulo sólido (y aparte suele haber gags graciosos en casi cada episodio, pero lo penoso de algunas historias y lo flojísimo del nivel de los guiones en general hace que no compense ni de lejos) que hace soñar con que recuperen su nivel de antaño, pero uno ya ha perdido la esperanza en la vida televisiva de los simpson. Eso sí, seré el primero en fichar para ver la película que se estrena el año que viene, porque la promesa de ofrecer algo a la altura de los buenos tiempos debería tentar a cualquiera.

Bueno, ya sólo me quedan los suspensos, a ver cuándo saco tiempo, porque de verdad que me motiva especialmente este grupito de series. Espero no soltar demasiadas burradas o expresiones (muy) malsonantes XD

La verdad, merece un puesto más alto en la lista, pero empecé a revisionarla tras hacer la tercera entrega y me daba pereza andar con correcciones relevantes. De pequeño no la vi con continuidad y hace bien poco descubrí lo equivocado que estaba. Los personajes funcionan a la perfección y los guiones son entretenidos y divertidos. Siento una tremenda debilidad por el padre de Ranma cuando se convierte en oso panda, es una idea tan estrambótica que no puedo evitar que me fascine. Veremos cómo se desarrolla, que llevo tan sólo 4 episodios.

26- THE O.C.

Bien, ahora mi criterio habrá perdido consistencia para muchos, pero lo de esta serie ha sido una sorpresa agradable desde que comencé a verla porque sencillamente me sobraba bastante tiempo. Es una serie de corte juvenil que se basa en que un joven de un barrio conflictivo es “adoptado” por una familia pudiente. A partir de ahí, el amor, la amistad y la familia serán los ejes de las tramas. La gran pega es que la serie ha ido adquiriendo uso preocupantes tintes de culebrón (las transformaciones del personaje de Marissa han sido risiblemente malas) que, sorpresivamente, no me han molestado tanto como esperaba (con la salvedad de la subtrama provocada por la inclusión de Oliver en la segunda mitad de la primera temporada). Las grandes ventajas son la que la serie entretiene, cuenta con algún personaje estimable (el mejor es Seth Cohen, joven poco dado a la vida social y muy aficionado a los cómics y los videojuegos) y es un pasatiempo bastante logrado si aceptas de antemano las cosas con las que te puedes encontrar.

27- CSI

He echado varias pestes sobre esta serie a lo largo de este (ya kilométrico) repaso, ya que ha provocado un aluvión de series que muchas veces ni llegaban al aprobado, pero la cosa está en que CSI aún resulta efectiva, pero con muchas pegas. La serie comenzó de forma fantástica, era hiperentretenida y disfrutabas de lo lindo viéndola, pero el afán por conseguir éxitos fáciles con las series secuela la ha perjudicado seriamente. Horribles fueron a mi juicio las noticias de que algunas de los mejores casos de CSI se destinaron a la endeble versión de Miami, porque provocó que el repetitivismo de la serie se hiciera aún más patente. La serie ha llegado a un punto de ser un entretenimiento de usar y tirar que algunas veces logra sorprendernos (en la quinta temporada durante varios capítulos introdujeron una interesante subtrama con la división del equipo de Grissom y la aparición de otra CSI, pero la cosa ha quedado bastante olvidada), pero por lo general no trasciende lo que hemos visto ya demasiadas veces.

28- MOTIVOS PERSONALES

La gran revelación de las series españolas del año pasado que ya acabó, pero yo sigo anclado al final de la primera temporada. Las tramas son interesantes, pero la horrible necesidad de los españoles de abarcar todo el prime time con un único episodio lastra sobremanera algunos episodios. Entre el amplio abanico de personajes me gusta el interpretado por Pedro Casablanc (que ya me cayó simpático en “Policías”)  y la abogada de los laboratorios. El resto oscila entre lo efectivo y lo esforzado (toca ser benévolo por una vez) y, en ocasiones, se ven perjudicados por la discutible verosimilitud de alguno de los acontecimientos. Con todo, entretiene bastante, aunque parece que la segunda temporada es un poco despropósito.

29- LAS VEGAS

La vida en un casino de Las Vegas, en concreto del Montecito. Timadores, clientes VIP, actuaciones de cantantes... la serie tiende mucho a girar sobre los mismos temas, pero con un ritmo ágil que consiguió atraparme las noches de los sábados. Ojo, no hay que pedirle peras al olmo, porque incide mucho en la importancia del físico de los actores (la presencia de James Caan supone la excepción a la regla) y la puesta en escena recuerda en ocasiones a CSI, pero el conjunto funciona. Un guilty pleasure.

30- RESCUE ME

Una historia de bomberos influenciada por los acontecimientos del 11 de septiembre en Nueva York. A priori pintaba bastante mal, pero Denis Leary (cocreador y principal protagonista) ha conseguido salir airoso del reto. Las relaciones sentimentales de los integrantes de la unidad de bomberos, sus problemas con la paternidad y sus peligrosas adicciones (alcohol, medicamentos...) son los grandes temas generales, para luego incidir mucho en la caótica vida del protagonista, un bombero que ve en visiones a su mejor amigo muerto y que en la segunda temporada llega a ver con regularidad a Jesús. Demencial, pero entretiene y el personaje principal tiene suficiente carisma para que no le odiemos. Curiosa de ver.

31- ARRESTED DEVELOPMENT

Me habían hablado muy bien de esta atípica sitcom, pero por ahora (5 episodios) el bagaje es un tanto decepcionante. Una extrañísima familia se ha hundido al ser encarcelado su padre por ciertos actos ilícitos, lo cual lleva a Michael, uno de los hijos, a intentar reflotar la empresa familiar. La verdad, los personajes parecen mucho mejores del jugo que luego los guionistas consiguen sacar de ellos y tiene un aire televisivo que me molesta muchísimo. Vale, es una teleserie, pero odio estar viendo una y que me transmita toda la sensación de estar viendo un producto televisivo y ésta me lo da. Por ahora, entretiene y el interés de los capítulos ha ido en aumento... esperemos que la mejoría prosiga.

32- AQUÍ NO HAY QUIEN VIVA

Quien no conozca la serie es que ha estado en coma varios años, así que poco puedo comentar salvo que me entretiene, que tiene algunos personajes que me gustan muchísimo y que me gusta que no intente querer ser realista aunque haya gente que se empeñe en considerarla una serie muy real. Eso sí, la última temporada pegó un notable bajón de calidad, veremos la nueva.

33- 7 DÍAS AL DESNUDO

Uno de los múltiples fracasos de Cuatro que ya ha sido retirada de antena, pero yo quiero comentarla brevemente. Es una serie que apenas usaba actores más allá de los fijos y que apostaba por la comedia. Algunos personajes me gustaban, pero la serie contaba con la desventaja de contar con Iñaki Miramón como uno de los protagonistas, al cual le tengo manía desde hace años. No era una serie brillante ni pretendía serlo, pero en cada capítulo tenía una serie de puntazos con los que me reía mucho y básicamente por eso la veía. No era nada del otro mundo, pero mereció mejor suerte.

Nota: Siento escribirlo ya un poco desganado, pero cuando escribo me gusta hacerlo de algo concreto y no de tal generalidad, ya que me provoca una dispersión que me desmotiva...  En fin, menos mal que ya no faltan demasiadas.

La trama de la película es muy llamativa y, a buen seguro, podría haber dado lugar a una excelente película de terror: Waldo Trumbull es el dueño de una ruinosa funeraria que está acuciada por las deudas. Comparte lugar de trabajo (y vivienda) con su esposa Amaryllis, una antigua aspirante a cantante de ópera a la cual desprecia, su ayudante, un desastroso ex-ladrón al que humilla siempre que puede y que está enamorado de Amaryllis, y su suegro, al que intenta matar cada dos por tres. Ante tal panorama desolador, Trumbull decide que con reutilizar el mismo ataud durante 13 años no es suficiente para evitar el desahucio, así que, con la colaboración de su ayudante (al cual chantajea para que acepte), decide acelerar la muerte de ciertas personas para evitar su ruina. Lo malo es que va a ser peor el remedio que la enfermedad...

El eje sobre el que se asienta la película es el modélico guión de Richard Matheson (la labor de Tourneur es muy estimable, pero esta es una película cuyos principales méritos no vienen de la puesta en escena), el cual consigue una estimulante mezcla entre la comedia y el cine de terror que desconcierta al espectador ante la dificultad de encontrar en su memoria otra cinta que se le asemeje. Vale, mezcla entre humor y terror hay muchas, pero el caso de La Comedia de los Terrores es especial. Un aire entre lo decadente y lo grotesco rodea a la funeraria de Trumbull y lo discutible de sus acciones se aligera a la perfección con su banda sonora, la cual fomenta el clima paródico que se adueña de los personajes, en especial del interpretado por un Vincent Price. Es difícil describir el tono de La Comedia de los Terrores, porque resulta tan inusual que hay que ver la película para conseguir captarlo.

Los actores son el otro punto fuerte de la película. Price realiza una memorable actuación cargada de autoparodia y en la que incide mucho en la importancia de los gestos. Hay un par de momentos aislados (a mi gusto se incide demasiado en el momento más feliz para su personaje) en los que se excede, pero su magnífica composición a lo largo de los escasos 80 minutos de metraje (lo bueno si breve...) lo compensa con creces. A su lado encontramos a un apocado Peter Lorre, algo desmejorado con los años y que brilla menos que Price, pero es que su personaje no permite mucho más . Lorre destaca cuando la película incide en su gracioso pasado como desastroso ladrón. El tercer grande del género fantástico que aparece en la película es Boris Karloff, en un personaje mucho más pasivo de a los que nos tiene acostumbrados el protagonista de la notable El ladrón de cadáveres. Su presencia como anciano al que se le va la cabeza resulta la mar de simpática (impagable su panegírico) y decisiva para la inmejorable resolución del relato.

Entre el resto del reparto (obviando la efectiva presencia de Joyce Jameson como la esposa de Trumbull) destaca Basil Rathbone como John Black, dueño de la propiedad donde está la funeraria y víctima potencial de Trumbull en su malvado (y delicioso) plan. La actuación de Rathbone está dominada por un histrionismo (y por Shakespeare, pues no para de recitar frases del escritor británico) muchas veces molesto, pero que se ajusta a la perfección a la función que su personaje desempeña en la película. Por último, destacar la presencia de un gato (en los títulos se menciona su nombre, supongo que tendría cierto caché en la época) como mascota de la familia, porque siempre me han molestado bastante la inclusión de animales como el Asta de la saga de La cena de los acusados (brillantísima primera entrega, claramente inferiores las otras entregas de la saga). Por fortuna, el gato funciona muy bien como testigo de los alocados acontecimientos que acontecen en la funeraria y la calidad de la película no ha de pagar el peaje de introducir escenas que no vienen a cuento y entorpecen las acciones de los auténticos protagonistas.

La Comedia de los Terrores es una joya del cine que sufrió un injusto fracaso en la época que la condenó al olvido por parte de muchos, pero que recomiendo encarecidamente a todo el mundo porque el buen cine debería gustar a todo el mundo y La Comedia de los Terrores pertenece a ese grupo.

Las series desarrolladas en hospitales están bastante de moda últimamente, pero justo la única que se enclava en lo cómico es mi favorita por su nada disimulado aire de sitcom. Sobre los personajes no sé muy bien que decir, todos tienen su interés a su estilo, pero destaca la demoledora presencia del portero (¿o era conserje?) del hospital intentando minar la moral del protagonista. Lo mejor es cuando se escenifican las idas de olla de los personajes (impagable la referencia a Batman en uno de los episodios) y apuesta abiertamente por un humor muy particular.

13- ANGEL

El vampiro con cara de ángel que tras muchos años de maldad recupera su alma por una maldición y le fuerza a redimir sus pecados. Monta una agencia de detectives y cada temporada se enfrenta a un gran mal, amén de los casos de cada episodio. Las dos primeras temporadas me dejaron la misma sensación que Buffy: Ocurrencias estimables cada 2 por 3, algun episodio muy inspirado, pero en general entre buenas y muy buenas y ahí queda la cosa, pero la tercera temporada de Angel me gustó tantísimo (en especial el giro, entre trágico y superado por las circunstancias, del personaje de Wesley. Y encima está Amy Acker por ahí con lo increíblemente adorable que resulta) el desarrollo de la trama central que me ha sido imposible no auparla tantos puestos. Ojo, los que renieguen de Joss Whedon por el tema monstruitos un poco deficientes visualmente por falta de presupuesto y lo discutible de sus tramas a priori que no se acerque. Pero ellos se lo pierden.

14- DEADWOOD

Una serie del Oeste. Sí, increíble pero cierto que una serie de esa temática se cuele en un puesto tan alto (al hacer la lista provisional ocupaba el puesto 19, pero recientemente he comenzado la segunda temporada y brutal el enfrentamiento entre mis dos personajes favoritos) y encima basada en hechos reales. Una mezcla tan peligrosa como poco fiable, pero la cosa está en que todo funciona al dedillo tras unos primeros capítulos algo lastrados por los tópicos. La trama ha ganado mucho interés al centrarse en la corrupción (personificada por Al) y los líos personales de Seth Bullock, el eje central de la serie. Una única pega: Calamity Jane, su caracterizacón y la actriz que le dan vida dejan que desear a mi juicio y el interés se resiente con sus apariciones.

15- ROMA

Hay que tener suficientes conocimientos históricos como para no saber de qué va esta serie. Julio César, Marco Antonio, intrigas políticas.... un cóctel muy apetecible pese a ciertas licencias históricas que a mí personalmente no me molestaron para nada. El hilo conductor de los personajes de Tito Pulo y Lucio Boreno está muy conseguido y los capítulos se siguen con interés. La única pega es la escenificación de la muerte de Julio César, un tanto exagerada a mi gusto.

16- MALCOLM

Un niño superdotado y su particular familia. Siempre me han entretenido muchos sus historias y considero un acierto el alejamiento del núcleo familiar de Francis, así las historias no se estancan en siempre lo mismo una y otra vez. Adoro el capítulo en el que el profesor de la clase de superdotados intenta establecer una jerarquía según el grado de inteligencia y Malcolm es el Super 1. Dios, ¡Genial!

17- PADRE DE FAMILIA

Los Griffin, una familia clarísima inspirada en Los Simpson. Una serie en la que hay un bebé con ansias de dominar el mundo y un perro snob que habla ha de ser buena casi a la fuerza XD. Lo mejor son los flashbacks de cosas que se supone que pasaron tiempo atrás. Hay unas salida de tono ahí brutales y la muy recomendable película siguió ese camino, donde el gag a costa de los milagros de Jesús se convierte en uno de los más memorablemente ridículos de la historia.

18- V

Estoy aprovechando la reemisión de Cuatro para recuperar uno de los mitos de mi infancia: Los lagartos invasores!. Se nota claramente el aire ochentero en la serie en el vestuario y los peinados, pero la serie sigue siendo tan válida hoy como en su época. Se nota cierta aire efectista en algunos recursos (la banda sonora en algunos momentos), pero Diana sigue siendo una mala malísima hipermemorable y los guiones son suficientemente sólidos para conseguir enganchar tanto con 10 años como con los 21 con los que cuento en la actualidad.

19- SOUTH PARK

Espero que todos recuerden la moda pasajera que hubo con las muertes de Kenny y lo muy a menudo que recurrían a expresiones malsonantes para provocar la carcajada en el espectador. Capítulos como el de Russell Crowe o el del Gordo Abbott resultan divertidísimos (aunque en casi todos hay algunos detalles que deslucen el conjunto), pero la serie tiene unos graves problemas de irregularidad que la lleva a meter algunos capítulos con menos gracia que recibir un puñetazo en la cara.

20- HOUSE

Una especie de mezcla entre CSI y la típica serie de hospital dramática que no debería destacar por nada de buenas a primeras, pero ha optado por potenciar un rasgo en su personaje protagonista que la mayoría evita para atrapar al espectador: El doctor House es un borde casi insoportable, pero precisamente por eso mucha gente lo adora. Al principio la serie sólo conseguía interesar por su personaje, pero, poco a poco, con la inclusión de ciertas subtramas (el “millonetis” que quería echar a House dio mucho juego) y el desarrollo de otros personajes, la serie fue creciendo en interés hasta justificar su visionado por lo entretenido que resultan sus capítulos y encima no se quedan en meras historias autoconclusivas de las que uno pronto se aburre.

21- ANATOMÍA DE GREY

Otra serie de hospitales (y van... ), pero que juega con un acertado balanceo entre el drama, lo romántico y los toques de comedia para ofrecer un conjunto satisfactorio. No es la panacea y recurre a menudo a las reflexiones manipuladoras en temas tan universales que, a poco que flojees, pueden tocarte la fibra sensible. Me gusta bastante el inseguro interino que comparte piso con la protagonista y otra chica más. ¿será que, en parte, me identifico con él? Seguramente.

22- CARNIVALE

Había escuchado cosas buenísimas sobre esta serie, tantas que mis expectativas se habían disparado hasta esperar algo incluso mejor que 24. Afortunadamente, me percaté de lo irreal del dato y decidí postergar el visionado de la historia de esta feria ambulante que recoge a un joven con el poder de sanar a las personas mientras paralelamente un cura levanta una iglesia. Hasta ahora he visto sólo 3 episodios (cada temporada consta de 12, algo habitual en las series de la merecidamente prestigiosa HBO) y ha sido básicamente presentación de los personajes y poco más. El suspense, muy leve por ahora, engancha, pero estoy deseoso de que se produzca un cara a cara entre Ben (el joven sanador) y el padre Justin. Fijo que saltan chispas y que el interés sube hasta la estratosfera, y más le vale, porque por ahora está siendo una decepción.

23- LOS HOMBRES DE PACO

Ya era hora de encontrarse con una serie española ¿eh? Muchos han criticado sobremanera la serie a partir de alguno de los primeros capítulos, simpáticos pero con un mal evidente todos ellos: Las subtramas entre la mujer del protagonista y una de las vecinas. Cada capítulo se empecinaba en darles una historia propia y al verosimilitud y gracia de las mismas era muy muy baja. Además, los espectadores no respondían y la serie se eliminó de antena, pese a que mí me parecía la mar de entretenida. Al volver eliminaron la tendencia comentada, incluyeron mayor dramatismo en las historias y hasta hicieron un cliffhanger como Dios manda, algo totalmente impensable en una teleserie de humor española. El trío protagonista sigue haciéndolo la mar de bien, y sólo la incompetencia interpretativa de una de las actrices empaña un poco a la mejor serie española del momento.

24- MÉDIUM

Una aspirante a abogado con visiones que sirven para resolver caos problemáticos. La relación entre ella y su marido es muy creíble y cercana, pero la irregularidad en el interés de los casos (algo habitual en las series que dependen de ello) hace que tan pronto te encuentres un episodio brillante (encima en algunos hubo una serie de detalles visuales muy interesantes) como con uno discreto.

Bueno, está escrito un poco a lo burro sin pararme a corregir fallos ortográficos o gramaticales, pero es que son 13 series. Por cierto, mientras escribía esto el Tau ganaba por 3 puntos en Grecia y se clasificaba para la Final Four. Podéis increparme cuando queráis, yo por hoy ya tengo suficientes dosis de felicidad para soportar lo que sea :D

Esta serie llegó a su fin hace unos años, pero por avatares del destino yo aún estoy inmerso en el visionado de la quinta temporada. La fórmula de la serie es tan simple y (en principio) reiterativa que sorprende los niveles de genialidad que puede llegar a alcanzar. Frasier es una eminencia de la radio con sus consejos psiquiátricos, pero en casa le toca soportar a su padre y su perro Eddie, amén de Daphne, asistenta personal de su padre y babeante objeto de deseo de Niles (el mejor personaje y ejemplo de que a veces el doblaje puede ser positivo, porque su voz original tiene menos gracia. Increíble, pero cierto), hermano de Frasier. A través de cápsulas de 20 minutos nos sumergimos en la divertida vida del doctor Frasier Crane y en ocasiones los capítulos son tan divertidos que a punto estuve de caerme al suelo de la risa. Un ejemplo: “Radio Aficionado” de la cuarta temporada. Con MUY pocas cosas he llegado a reírme tanto como con ese episodio.

6- SIN RASTRO

El descomunal éxito de CSI ha generado múltiples series que siguieron sus pasos, pero la única que realmente ha alcanzado un alto nivel es Sin Rastro. Tras la excusa de encontrar a gente desaparecida cada capítulo nos reserva una excelente sesión de dramatismo en la que los personajes principales tienen entidad propia y hasta vida privada relevante (algo inusual en este tipo de series). Aún recuerdo con asombro la forma de cortar de uno de los personajes protagonistas. Un minuto me quedé con la boca abierta sin saber cómo reaccionar. Eso sí, un aviso para navegantes: La primera temporada es demasiado heredera de la fórmula CSI y puede hacerse repetitiva y algo rayante. Es después cuando la serie evoluciona y justifica su sexto puesto. ¡Si es que hasta ha conseguido que Anthony LaPlagia me parezca buen actor cuando antes le tenía cierta manía!

7- NIP/TUCK

Polémica serie sobre unos cirujanos estéticos. La premisa era suficientemente llamativa (bueno, a quién quiero engañar, hace falta muy poco para que empiece a ver una teleserie) y venía precedida de buenas críticas, por lo que me zambullí a la aventura. La primera temporada es un tanto errática, con súbitas transformaciones en los personajes y la exigua trama central no consigue interesar lo suficiente. Las cosas cambian en una casi modélica segunda temporada donde, si bien los personajes mantienen cierta tendencia a cambiar de comportamiento de forma un tanto extraña, la notable variación del comportamiento de uno de los personajes centrales enriquece sobremanera el interés de la serie. El cliffhanger de final de segunda temporada aún me mantiene expectante (viendo tantas es fácil que acabe dejando de lado hasta la serie con el final más impactante) y espero que la tercera temporada siga los pasos de la segunda, porque la primera era curiosa, pero simplemente buena.

8- LOST

Una de las series que más ha dado que hablar últimamente (el tema de quedar atrapado en una isla desierta siempre ha dado mucho que hablar) y que a mí me recuerda poderosamente a 24 en lo referente a ventajas y desventajas. Lost juega de forma obscena con el final sorpresa para mantener en vilo al espectador y compensar la increíble cantidad de momentos de puro relleno (y de olvidarse de ciertos personajes durante mucho tiempo sin explicarnos lo más mínimo al respecto) que hemos de padecer. Las teorías sobre lo que va a pasar son el pan nuestro de cada día y también lo asumido que tenemos todos que la explicación que van a darle a todo va a ser un zurullo de campeonato. Mientras tanto disfrutaremos de las excelencias del viaje. Lo que le diferencia de 24 es que en la serie de Jack Bauer pasan muchísimas más cosas, los momentos en los que no pasa absolutamente nada son muchos menos y, que narices, 24 es lo mejor de lo mejor y Lost sólo es una adicción menor :P

9- ALIAS

Otra de acción. En este caso de una agente doble que ha de salvar al mundo de unas profecías de Rambaldi, un inventor de hace varios siglos. Del mismo creador que Felicity (eso se nota sobre todo en la primera temporada, muy lastrada por ese factor) y Lost (en Alias se perfila lo del gran misterio que sólo se resuelve al final de la serie y en cada temporada se dan una serie de revelaciones al respecto), la serie interesa y mantiene en tensión cuando se lo propone. La pega es que mete muy usualmente capítulos de relleno, por lo general la mar de entretenidos, que te hacen desconectar un poco de la trama general. Destacan las temporadas 2 (la favorita de la mayoría de los fans) y 3, decayendo el nivel en la 4 por el indecente abuso de capítulos que no llevan a ninguna parte, pero aún así entretiene.

10- MUJERES DESESPERADAS

Las vecinas de Histeria Lane fueron la gran revelación de la pasada temporada televisiva junto a Lost. Su hábil mezcla de suspense y comedia funcionó a las mil maravillas en la primera temporada, pero en su propia resolución la serie generó su primer fallo grave: Las resoluciones de las tramas con cierta continuidad parecen no interesar, de alguna forma u otra se alargan hasta el infinito. Ojo, lo del asesinato de Mary Alice se resuelve, pero se nota que los guionistas no se han currado tanto la trama central de la segunda temporada. Este es el mal de muchas series. Arrancan cojonudamente y pronto se dispersan, decaen o directamente caen en el absurdo. Por ahora, parece que la segunda temporada remonta en interés al darle por fin algo de relevancia a la historia de los nuevos vecinos. Veremos, pero yo prefiero mantenerme escéptico.

11- A DOS METROS BAJO TIERRA

A buen seguro la teleserie de mayor prestigio desde Twin Peaks. Los Fisher y la funeraria que regentan son una excusa para reflexionar sobre la vida y la muerte de forma, según muchos, magistral. Yo con lo que me quedo son con unos guiones de hierro y sus personajes, muy humanos y verosímiles. Lo malo es que la serie no me entusiasma ni me subyuga como a muchos, pero caray, el nivel es altísimo, pero no celestial.

Y no tengo tiempo para explayarme más, mi pc se ha vuelto peleón (muchos ya sabéis lo propenso que es a hacer según que cosas) y me ha fastidiado el texto varias veces, por lo que hacia el final he acabado un tanto desganado y creo que se nota. Hasta el próximo día!

Mi propósito en los próximos días (quizá llegue a ser un par de semanas) es desgranar el nivel de todas las series que sigo actualmente metiéndolas en cinco, seis o hasta siete niveles (la concreción dependerá del nivel de pereza cuando llegue a uno con demasiadas series) según la calidad que considere que tengan. Ya lo siento por los que no conozcáis la mayoría, pero he prometido hacerlo y soy una persona de palabra. Hoy comenzaré con las Sobresalientes, cuya mera existencia ya justifica mi preocupante adicción (sigo unas 40 series en la actualidad) a las series de televisión:

1- 24

Hasta hace no mucho, el nivel de las teleseries de acción era bastante lamentable. Vamos, peleas con coreografías cutres que no ofrecían nada nuevo respecto al cine y cuyos personajes te importaban tres pimientos. Pues bien, un buen día llegó 24 con su (no del todo) novedoso concepto de mostrarnos los acontecimientos en tiempo real y algo cambió en mi vida.  Resumir los argumentos de las 5 temporadas que lleva hasta ahora sería cansino, por lo que lo haré de forma muy general: Jack Bauer es un agente de la UAT (Unidad AntiTerrorista) de Los Angeles que va a pasar por cinco días muy “chungos” en los sus amigos van a traicionarle o morir de forma horrible mientras él tiene que capturar a conspiradores contra USA a la par que salva vidas. Si para ello hay que matar o torturar a gente por el camino, no importa. Al principio Jack era un crack (perdón por la rima facilona), pero pronto sus discutibles formas de actuar reorientaron mi interés hacia otro personaje. Tony Almeida. Quienes me tengáis en el Messenger desde hace tiempo habréis notado que muchas veces he usado ese nombre de nick. Me parece un personaje ejemplar y admirable, pero esto es sobre la serie no un decálogo de sus virtudes (no os preocupéis, es algo que no descarto hacer en el futuro :P). La serie oscila entre la acción, el suspense y la intriga, estando alguno de los géneros más acentuado en una u otra temporada. Si queréis saber más preguntadme, porque absolutamente cualquier momento me parece bueno para hablar de mi teleserie favorita. Una joya.

2- VERONICA MARS

Hace bien poco inauguré mi espacio con un artículo sobre esta brillante serie y, la verdad, no tengo muchas ganas de ofreceros una versión comprimida cuando tenéis la detallada tan a mano. Sólo me queda la duda de que se supone que en la segunda temporada pega un bajón considerable, pero por ahora se tiene bien ganado su segundo puesto.

3- EL ALA OESTE DE LA CASABLANCA

Recuerdo hace unos años leer que esta serie arrasaba en toda entrega de premios y yo no podía evitar sentir cierto resquemor. Una serie de temática puramente política me parecía que difícilmente podría alcanzar unos niveles de calidad suficientes como para merecerlo. Me equivocaba. La serie creada por Aaron Sorkin se fundamenta en unos guiones magistrales que potencian los dos grandes puntos fuertes: Unos diálogos sublimes y asequibles para aquellos que no somos expertos en política mundial. Además, el humor es algo que nunca se pierde de vista y la oscilación entre lo trascendente y lo cómico consigue resultados geniales. El otro elemento destacable es una magnífica (para mi gusto ninguna serie lo supera en esto) construcción de los personajes (es difícil quedarse con uno, pero la personalidad de Josh Lyman, el que está más a la derecha en la foto, me desarma y encanta con una facilidad inusitada). Lo mejor es que no ha de ser un rol protagónico para que el personaje sea loable. No recuerdo ni un solo personaje en los muchos capítulos que llevo vistos que se pueda decir que no esté bien ideado por Sorkin. La única pega es la facilidad de Sorkin para dejar ir a ciertos personajes sin ofrecer al espectador una explicación. Ojo, no digo una explicación satisfactoria, digo simplemente una explicación.

4- HOW I MET YOUR MOTHER

Las sitcom norteamericanas parecían heridas de muerte desde que en apenas unos días llegaron a su final las divertidísimas Friends y Frasier, pero por fin ha llegado una digna heredera. How I Met Your Mother parte de una premisa tan simple como efectiva: Un padre cuenta a sus hijos como conoció a su madre, aunque alarga la historia de forma tan descarada como hilarante. La serie se centra en la vida de un grupo de amigos bastante variopinto liderados por Ted, un hombre que ha decidido que ya es hora de sentar cabeza y encontrar esposa. Vive con su buen amigo Marshall y la prometida de éste (una pareja divertida y adorable que, afortunadamente, no suele caer demasiado en una insoportable ñoñería). Además, está Robin, oscuro objeto de deseo de Ted, pero reacia a mantener una relación tan seria pese a la atracción que siente por Ted. Todos estos personajes tienen sus momentos de gloria y uno no puede evitar “quererles”, pero la estrella de al función es Barney. Ligón (o al menos lo intenta siempre que puede), machista y siempre vestido de traje cuenta siempre con los mejores gags de la función, los cuales ya justifican por sí solos ver esta serie por encima de muchas otras. Por fortuna, hay muchos más gags, la mayoría de ellos muy efectivos y, ocasionalmente tronchantes. Si lo que buscas es una serie puramente cómica How I Met Your Mother es lo que necesitas.

That´s all  for now folks

P.D. Ya sé que es un poco triste que siguiendo cerca de 40 tan sólo otorgue el sobresaliente a 4, pero es que un servidor es un enfermo exigente :P

Hay muchas veces en las que uno se topa por casualidad con un fragmento de algo que logra interesarle lo suficiente para desear terminar de verlo. Pues exactamente eso me sucedió con “Encuentro en París” cuando mi profesor de guión nos puso su inicio a modo ilustrativo de una explicación. La película contaba con un estilo muy original para mostrarnos el proceso creativo del personaje protagonista, un guionista de cine muy poco dado al trabajo. Por desgracia, la clase debía continuar y la cinta de Richard Quine permaneció en mi memoria como una de los muchos filmes que debería ver en cuanto pudiera. El problema es que, no sé vosotros, pero mi lista de “must see” es casi interminable y tampoco disponía de ella, así que todo la abocaba a un olvido indeseado como me ha pasado con muchas otras cosas. Afortunadamente, unos meses después una persona me la ha prestado y he podido confirmar lo que ya sospechaba a partir de los 20 minutos que pude ver en su momento.

Un guionista ha sido contratado para escribir un guión con el sugerente título de “La chica que robó la Torre Eiffel”, pero en vez de ello ha preferido darse la buena vida y ya sólo faltan 2 días para la fecha de entrega. Es entonces cuando decide contratar los servicios de una atractiva mecanógrafa (no podía ser de otra forma con su merecida fama de mujeriego) para hacer el guión. Como es obvio la relación entre ellos se va estrechando paulatinamente a medida que avanzan en el guión. La verdad es que en el fondo “Encuentro en París” dista bastante de ser novedosa, pero es en la forma donde la película consigue atraparnos de forma irremediable con su sentido del humor. Ojo, que nadie se espere el típico humor suave de toda comedia romántica (aunque algo sí que hay), porque el que busque eso se va a sentir muy decepcionada.

La película apuesta por un humor entre alocado y delirante que alcanza su punto álgido hacia mitad de metraje con la antológica idea para el guión que propone el personaje interpretado de forma magistral por Audrey Hepburn. Yo creo que sólo con ver ese momento ya se puede saber si “Encuentro en París” va a ser una cinta que consideres memorable o un bluf considerable. Yo me sitúo en el primer grupo. Además, por si eso fuera poco, tenemos como regalo varias bromas muy efectivas relacionadas con la escritura de un guión (sobre todo las relacionadas con llamar a un personaje con su profesión junto a un número en vez de con un nombre). No obstante, circunscribir su tono humorístico a un único estilo sería un error, ya que el delirio de la representación de lo que el personaje de William Holden (un cínico mucho menos ácido que el que también interpretó a la perfección en la excelente “Traidor en el infierno”) escribe se contrapone el aire más ligero y romántico de la “realidad” de la propuesta. No obstante, lo que importa es que todo encaja perfectamente y eso sucede en “Encuentro en París” salvo por nimios detalles.

Ya he apuntado la presencia de Audrey Hepburn y William Holden (que ya coincidieron en la notable “Sabrina”, aunque él tenía un papel secundario en esa ocasión), pero conviene pararse un momento en su trabajo. Que Audrey es adorable es algo que considero fuera de toda duda desde hace ya muchos años y ella incide mucho en esa faceta para la ocasión. Sus gestos y reacciones a los comentarios del personaje de Holden hacen imposible no caer rendido al encanto de su Gabrielle. Además, uno no sólo adora a su personaje, sino que en un determinado momento alcanza unos niveles de belleza (esa melena suelta ladeada) y sensualidad insospechados que te enamora durante unos instantes y te hace comprender la transformación de Richard, al que da vida Holden de forma excelente. No voy a ocultar que Holden queda eclipsado en varios momentos por la brillantez del trabajo de Audrey, pero ofrece una muy estimable actuación que luce más en los primeros minutos de metraje, es decir, cuando el cinismo de su personaje resulta más acentuado. No quiero dejar de comentar el maravilloso cameo de Tony Curtis (el cual seguramente aceptó el papel para hacer un favor a Quine, ya que fue el protagonista de la siguiente cinta del director) como uno de los personajes del guión que escribe Richard. Su primera aparición como actor de baja estopa pero mucho ego resulta divertidísima y el juego que da la oscilación de su nombre entre Maurice y Philippe también se salda de forma afortunada.

Al final lo que “Encuentro en París” nos ofrece es una historia de amor de la que ya conocemos su desenlace antes de verla, pero en el viaje que nos propone la película nos lo hemos pasado tan bien y ha sido tan distinto a lo que las comedias románticas nos suelen ofrecer que ese detalle resulta irrelevante. Ya estáis tardando en verla.

Dedicado a Laura por conseguir que “Encuentro en París” no acabara en el olvido al que parecía destinada. A ver si la has disfrutado (porque ya deduzco que no leerás esto hasta que la hayas visto) incluso más que yo :)

EL ESTILO DE LA SERIE

CONCLUSIONES

“Veronica Mars” se ha convertido en mi segunda serie favorita de las que sigo actualmente, y el número ronda (o quizá supere, que últimamente he empezado a ver algunas como la discretísima “Numb3rs”) las cuarenta, por lo que es obvio que algo de mérito ya tiene. Por resumir sus virtudes diré que es una serie con un tono de comedia y suspense maravillosamente llevado y que además cuenta con un puñado de personajes antológicos, lo cual se une a unos guiones estupendos que lo convierten en una serie obligatoria para todos aquellos que sientan interés por los productos de calidad que, de cuando en cuando, nos ofrece la televisión. Vedla en versión original subtitulada, eso sí, que sino la cosa pierde una parte importante de su gracia.

Eso sí, a verla cuanto antes mejor.