No voy a negar que le tenía ganas desde hace tiempo a la cinta de Jack Arnold, pero no esperaba ninguna maravilla indiscutible pese a ciertos comentarios entusiastas. Pues me equivocaba. Desde la aparición de la misteriosa niebla que impregna los poros del personaje principal, el filme comienza un memorable crescendo de interés hasta casi convertirse en una película muda. La tragedia del empequeñecimiento del protagonista se acompaña primero con la morbosa reacción del público y el sentimiento de ser un freak por su parte, lo cual le sume en el abatimiento. En esos momentos, las excelencias de la propuesta no son más que un preludio de lo que nos espera. El acecho del gato, el micromundo que se forma en el sótano de la casa con nuestro protagonista totalmente desamparado, su nueva vivienda, la inundación, la aparición de un nuevo enemigo  que entronca con una de las fobias más extendidas entre los seres humanos, en definitiva, la cinta eleva el suspense de forma angustiante a la par que el personaje sigue menguando y menguando... ¿hasta dónde?. Extraña un poco el desenlace por el que apuesta la película, pero no molesta para nada. Tras quedar KO ante “El increíble hombre menguante” tenía mis dudas sobre la conveniencia de completar la sesión triple prevista, pero finalmente me decidí a ver “Jules et Jim” con muy pocas esperanzas de que estuviera a la altura. Qué tonto que fui.

Hasta la fecha mi relación con Truffaut se limitaba a unos minutos (no muy interesantes me permito añadir) de “El pequeño salvaje” y la tremenda decepción que supuso “Los cuatrocientos golpes” (le reconozco ciertos méritos y rescato algún momento puntual, pero, en general, me resultó más bien mediocre). No obstante, la innegable crisis entre nuestro deseado idilio se ha resuelto de un plumazo con la desbordante magistralidad de “Jules et Jim”. Acertar a resumir lo que nos ofrece esta película es muy difícil sin revelar parte de su encanto, por lo que mejor hablar de los tres vértices en los que se asienta la función. Jules es el más sentimental del trío, lo cual le convierte en el más frágil y el primero en “dejarse vencer” por el amor. Jim es más reflexivo y cuidadoso con sus actos, lo cual le guarece de ese sentimiento durante un tiempo, pero tarde o temprano siempre acaba venciendo. Por su parte, Catherine es la fascinación, lo inalcanzable (al menos de forma plena) que no podemos evitar desear aunque ello nos resquebraje por dentro. La relación entre los tres vertebra la película, pero un guión plagado de maravillosas pequeñas reflexiones (perdí la cuenta de las frases memorables que contenía) y una loable voz en off (otro elemento de unión con “El increíble hombre menguante” aparte de la maestría de ambas) atrapa al espectador y no le deja ir hasta mucho después de terminada la película que oscila entre lo ágil, reflexivo, desbordante y subyugante de forma magistral, ya que consigue mantenernos presos hasta en los escasos momentos en los que parece caminar por aguas pantanosas.

El problema de “ingerir” dos obras de tanta calidad de seguido es que te absorben hasta un punto indescriptible en el cual, una vez consigues acallar el eco de las maravillas de una, la otra película aguarda al acecho para inutilizar tu cerebro más allá de la reflexión sobre el propio filme. Alrededor de dos horas (y eso que me acosté sobre las 4 de la mañana) fueron las que tardé en conseguir dormirme por el rechazo de mi cerebro a dejarlas de lado, y aún ahora sigo superado por esa intensa sesión de auténtico cine. No obstante, la vida sigue y ¿Qué película elegí para intentar mantener tal racha? La “afortunada” (con tales precedentes tenía muy difícil estar a la altura) fue “Hasta que llegó su hora”, la cual me venía precedida de ciertos comentarios aupándola al Olimpo del cine. ¿El resultado? Otra cinta deslumbrante.

La utilización del tiempo por parte de Leone se aleja bastante de lo común, acercándola a lo contemplativo por encima de la importancia de lo que nos presenta. Lo que le aleja de cineastas como Kim Ki Duk es que no busca la belleza en parajes que ya lo son, sino que de un espacio desértico y polvoriento extrae imágenes de innegable belleza estética. Todo ello aderezado con un ritmo pausado, casi de forma obsesiva, que convierte casa pequeña acción en algo con una fuerza poderosa. El director italiano nos propone una reflexión sobre el final de una época (el rudo oeste) en contraposición con la llegada de otra (la conspiración por intereses económicos ligada al progreso de la sociedad). No obstante, son los últimos coletazos de los personajes en vías de extinción los que ayudan a convertir “Hasta que llegó su hora” en una obra extasiante. La venganza de Harmonica (una especie de muerto viviente con una sola idea en mente, aunque con la clara decisión de posponerlo hasta el momento idóneo), el despreciable Frank (la muerte de los demás parece su único remedio para todo pese a su coqueteo con otro tipo de solución), la ruindad de Morton (el detonante de todo) o los esfuerzos de Jill (una antigua prostituta con una trabajada capacidad de supervivencia) se compenetra con la (por una vez) estupenda rigidez facial de Charles Bronson y la música de su armónica, la hechizante y maligna mirada de ojos azules de un magnífico Henry Fonda, la fragilidad de Gabrielle Ferzetti, la indiscutible sensualidad de Claudia Cardinale o la eficiencia de Jasón Robards como Cheyenne (personaje que no destaco simplemente porque no me apetece, aunque también lo merecería).

Además, una maravillosa banda sonora de Ennio Morricone y la estupenda fotografía de Tonino Delli Colli se unen a la casi inmaculada labor en la dirección de Leone para lo que durante muchísimos momentos parece  una obra maestra indiscutible. Poco importa la dilatación temporal, la escasez de diálogos o que la historia podría haberse contado en la mitad de metraje. Lo que hubiera sucedido entonces es que la película hubiera perdido su toque especial, con indiscutibles raíces en el cine del oeste, pero más cercana a una cinta reflexiva, con todos los elementos de lo que debería ser un buen western (género del que me declaro muy poco seguidor), pero sublimando su importancia dentro del discurso que se nos propone. Algunos pocos verán aburrimiento en su lugar, pero, en este caso, no es culpa de la película. La pega es que uno o dos momentos sí transmiten la sensación de estar alargados (muy poco, eso sí) más de la cuenta y la presencia algún primer plano estéril y algo molesto “ensucia” ligeramente el conjunto. No obstante, la grandiosidad del conjunto (y de momentos aislados como el insuperable comienzo, el enfrentamiento final, el encuentro entre Frank y sus hombres y el niño superviviente, la escena de “amor”, etc. Son demasiados para poder enumerarlos todos) y el discutible efecto (uno siempre tiende a esperar algo mejor) de los visionados precedentes me permiten perdonárselo, algo que, por poner un ejemplo interesante en este caso, no me sucede con el innegable bajón de “El bueno, el feo y el malo” (también plagada de momentos acojonantes, aunque seguramente no tanto como los de la que nos ocupa) antes de su resolución.

Al final he escrito más de la cinta que menos me ha impactado de las tres (los comentarios y visionados precedentes se lo ponían difícil), pero no estoy para nada seguro de que sea la menos obra maestra del trío (ojalá todas las dudas fueran de esta naturaleza), ya que mi desinterés por el género también jugaba en su contra. Por ahora, el tiempo y mi cerebro dictarán sentencia. De momento, toca volver a la realidad y ni tan mal si ha venido de la mano de una cinta excelente como “Historias de Filadelfia”.

Freddy Krueger es mi psicópata favorito y voy a intentar explicar este hecho: Desde que Norman Bates diese vida al modelo a seguir de asesino moderno creo que ha habido cinco psicópatas destacables por encima del resto (algunos no los incluyo por no ser especialmente afines al tipo de killer al que me refiero, como sería el caso del refinado Hannibal Lecter; y a otros por no haber tenido tanta repercusión como El hombre alto de “Phantasma” o Candyman), que son Cara de Cuero (“La matanza de Texas”), Michael Myers (“La noche de Halloween”), Jason Voorhees, Freddy Krueger y Chucky (“Muñeco Diabólico). Descartemos totalmente de entrada a Myers por ser bastante soso (lo siento, pero la cinta de Carpenter me parece que está muy sobrevalorada. El tema musical es cojonudo, pero Myers ni impone respeto ni nada) para mis malsanos gustos. Después tenemos a Chucky, una delicia de psychokiller pero demasiado deudor de Freddy Krueger (no hay más que ver su vestimenta, los comentarios que hace...), y en lo referente a Cara de Cuero (también conocido como Leatherface) su problema es no haber sido tan trabajado como sus dos grandes rivales, pues pese a una brillante primera entrega, luego su interés se diluía con una facilidad inusitada. Nos quedan Freddy Krueger y Jason Voorhees (pronúnciese “burjis” y no de la horrible forma en que lo hacen “Freddy vs. Jason”). ¿Cuál es el problema del segundo?. Pues que matar sin ton ni son se hace divertido al principio, pero acaba por hacerse aburrido, y si encima el esquema argumental se repite una y otra vez, pues el atractivo casi desaparece. Mientras que con Krueger nos encontramos a un asesino y manipulador a partes iguales. Freddy no se contenta con matarte sin más (bueno, en la primera parte tal vez sí, pero ahí el personaje aún mantenía la seriedad de la que después careció por completo), sino que te usa como si fueras una marioneta y ataca primero a tu psique, para después acabar contigo usando las cuchillas de su mítica garra.

El texto acababa ahí, pero debido a mi devoción por el psychokiller lanzo una pregunta al aire ¿Hay vida en el cine actual para psychokillers que sueñen con aspirar con competir con los “más grandes”? Hecho un vistazo al cine de los últimos diez años y los ejemplos que me vienen a la mente son francamente descorazonadores. Ghostface (de “Scream”) contaba a su favor con un atuendo estimable y unos métodos nada desdeñables. Además, la máscara me recuerda de forma inapelable a “El grito” de Munch y eso es otro punto a su favor. Pero la tendencia a humanizar al persona lo fastidia todo. En cada entrega nos encontramos con personas distintas movidas por la venganza. Vale, muy bien, pero la venganza es la base de potrocientos mil asesinos cinematográficos y es algo que me interesa tres pimientos. A la sombra del éxito de “Scream” surgió El Pescador de “Sé lo que hicisteis el último verano”. Bien, aquí respetan el obligado componente sobrenatural, pero falla en que las películas son una mierda. La primera aún tiene su aquel en un día de muy baja exigencia, pero la segunda es para quemar la casa y asesinar a la familia del desgraciado que dio luz verde a ese “guión” (dudo que merezca tal nombre y no el de insulto a la inteligencia). Más incidió en el componente sobrenatural el Creeper de “Jeepers Creepers”, pero sus métodos me recordaron sobremanera a Pennywise de “It”. La película estaba guay, pero el killer no era nada del otro mundo. Me dejo varios ejemplos por el camino (los de “Leyenda Urbana”, los de la simpática “Km. 666” y muchos más... pero su relevancia me parece mínima) para llegar al máximo exponente actual: Puzzle de “Saw”. Bien, tiene una mente podrida y un estilo muy interesante en el que él se libra de la culpa real de los asesinatos. La cosa promete... pero el ansia de dinero fácil lo fastidió todo con una flojísima segunda entrega (de la que apenas salvo detalles como el hoyo de jeringuillas) cuyo desenlace pretende subsanar el principal detalle que echa por tierra la credibilidad del personaje (no lo voy a revelar para aquellos que no lo hayan visto, pero teniendo en cuenta su estado y lo que quieren hacernos creer en la primera entrega... cuesta MUCHO perdonar ese detalle). Además, nos prometen varia secuelas más que, a buen seguro, matarán todo el interés del personaje. Sé que hay películas individuales interesantes en este punto, pero yo quiero un psychokiller al que admirar y vitorear sus asesinatos a lo largo de varias entregas ¿Acaso pido tanto? Ains, Freddy, con lo que yo disfrutaba con tus salvajadas oníricas...

Es curioso que ante tal panorama haya visto las tres películas de Patricia Ferreira casi sin percatarme de ello. “Para que no me olvides”, la cinta que nos ocupa, supone la confirmación en el interés ascendente de su obra, la cual se inició con la mediocre “Sé quién eres” (la cual me recordó a la espléndida “Recuerda”, pero en una versión muchísimo menos interesante) y continuó con la entretenida “El alquimista impaciente” (cinta que tuvo cierto eco en su día por tener en su reparto al famoso actor porno Nacho Vidal) para ofrecernos ahora su película más conseguida. En esta ocasión, Ferreira se decanta por un drama intimista sobre la pérdida de un ser querido y la dificultad para superarlo que, en ciertos momentos, recuerda a la notable “La habitación del hijo”, aunque la cinta italiana se centra sobremanera en la influencia de la muerte en su padre y Ferreira prefiere darnos de una visión con más matices de la forma de sobrellevar la muerte de alguien a quien amamos.

La cinta destaca el protagonismo de Fernando Fernán Gómez, pero conviene no dejarse engañar por este dato. El veterano actor tiene un rol profundamente afable y conciliador, pero su peso en la película es menor. Su Mateo refleja a un hombre al que el dolor debió destrozar en su época, pero con el paso del tiempo ha aprendido a sobrellevarlo de la mejor forma posible. Es él el espejo en el que hay que mirar a las dos principales protagonistas femeninas. Me vais a permitir, aunque oficialmente ella conste como secundaria (con todo merecimiento fue nominada al Goya de mejor secundaria), que comience hablando de la bellísima Marta Etura. Ella es Clara, la novia de David, con el cual acaba de irse a vivir juntos y cuya muerte supone un golpe difícil de superar que la deja destrozada. No obstante, prefiere asumir la pérdida y mantener en su corazón a David, lo cual la destroza más en primera instancia. Hasta ahora siempre decía que Marta Etura me parece una actriz con una belleza por encima de cualquier tipo de discusión (y con una sonrisa que desarma y enamora con una facilidad preocupante), pero interpretativamente tenía mis dudas ante la irregularidad mostrada en las tres películas suyas que había visto hasta el momento. Pues bien, mis dudas han quedado totalmente disipadas ante la excelente actuación de Etura que consigue hacerte empatizar con los complejos sentimientos de su personaje. Bravo. También muy estimable resulta el trabajo de Emma Vilarasau, actriz que se ganó mi beneplácito por su trabajo en “Los sin nombre”, pero a la que había perdido la pista desde entonces. En “Para que no me olvides” interpreta a la madre de David, una mujer fuerte y decidida cuya relación con su hijo no pasa por su mejor momento. Quizá por eso la negación de la misma existencia de David supone la única salida que ella considera viable para su dolor, pero negar el dolor no hace que desaparezca. Vilarasau completa una actuación difícil con buena nota, pero a mi juicio está por debajo de las prestaciones de Etura.

Es en su mensaje donde “Para que no me olvides” se convierte en una muestra de interesante cine español. En la vida los buenos y los malos momentos son tan numerosos como imprevisibles, pero cuando los dolorosos se presentan de forma tan imprevista la vida parece perder sentido. Es cierto que nunca nadie ha podido garantizarnos que en la vida no íbamos a sufrir, a padecer dolores tan intensos y difíciles de curar que, en ocasiones, hasta casi preferiríamos no estar vivos, pero hay que continuar adelante. Es lo único que nos queda. No hay que buscarse escudos imaginarios ni hundirse a niveles subterráneos, porque no nos sirve de nada. Bueno sí, para desahogarnos (pero tampoco es cuestión de excederse, todo tiene un límite) y para eliminar posibilidades de alegrías en esos momentos en los que nada nos importa. La película de Ferreira incide en los tres puntos de vista posibles (cierto que cada uno podría tener matices muy distintos, pero una película así no conviene saturarla con personajes cuando es lo que transmite lo que realmente importa), habla de la experiencia del dolor, de lo imprevisto de su aparición y de muchas cosas relacionadas con ello. Probablemente, del dolor es de donde más enseñanzas podemos conseguir. El dolor es un ingrato maestro, pero sin duda efectivo.

Releyendo lo escrito parece que considere una gran película a “Para que no me olvides”, pero no quiero que nadie caiga en ese error. El filme de Ferreira es honesto y consecuente con lo que propone, pero es algo irregular y los momentos brillantes son menores de los que uno desearía con tan estimulante material. No obstante, lo que sí puede decirse es que es una muy buena película que no engaña a nadie y que destaca por las excelentes interpretaciones de su trío principal de actores, lo cual no es poco.

Hasta anoche había visto apenas dos películas de Berlanga, las dos brillantes, pero con una serie de pequeños fallos. A “Bienvenido Mr. Marshall” le sobra la secuencia del sueño y, al menos en la copia de la que disponía, había una serie de cortes extraños que te desconcertaban. En el caso de “El verdugo” lo único que molesta (aunque no es esa la palabra más adecuada) es que la película no incida algo (no mucho, que pasarse sería peor que quedarse corto en este caso) más en su tono cómico y el dato de que el protagonista debía ser López Vázquez lo aclara todo. Con él, el tono inseguro del protagonista adquiriría matices muy diferentes y seguramente estaría hablando ahora de una obra maestra, pero no fue así y mi relativa insatisfacción (caray, que son películas excelentes las dos, pero uno las esperaba algo mejores) persistía, pero de repente llegó “Plácido”.

La propuesta de “Plácido” (más adecuado sería el  “Siente un pobre en su mesa” que la censura no permitió) “ tenía muchísimas papeletas para caer en un caos absoluto ante la existencia de una cantidad de personajes tan elevada (todos perfectamente definidos aunque apenas aparezcan en pantalla) que la dispersión de la trama era tarea sencillísima. Pero no, Azcona completa un guión magistral (aunque en el mismo colaboraron más personas de forma decisiva, incluído el propio Berlanga, pero el que le dio la forma definitiva fue Azcona) en el que seguimos las desventuras de ese pobre diablo llamado Plácido que quiere pagar la primera letra de su carromato, pero distintos acontecimientos se lo impiden. Por el camino, la película incide en la hipocresía que destila el acto de invitar a un pobre en época navideña cuando el resto del tiempo los dejas a su aire. Una sucesión de pequeñas historias, todas brillantes y con unos personajes tan entrañables que es imposible no adorarlos, incluido el caradura al que interpreta López Vázquez.  Además, el filme consigue mantenerte con la sonrisa en la cara y nos deleita con un puñado de carcajadas. Una pena que no esté Isbert, pero es que eso ya hubiera sido un milagro cinematográfico sin precedentes.

Algo peor (es lo que tiene ver una obra maestra antes, que salvo que tengas la enorme fortuna de ver dos de seguido, algo muy poco probable, pues entonces la siguiente sale perdiendo) es lo que nos ofrece “El cochecito”, aunque de entrada cuenta con un material más jugoso. Un viejecito con una vida apacible siente una envidia tremenda de todos sus amigos, ya que todos son inválidos y cuentan con un cochecito particular para viajar, lo cual desplaza del grupo al pobre hombre. Claro está, en la vida no se puede tener todo (como recuerda un personaje en determinado momento de la película), pero el personaje encarnado magistralmente por Isbert (menos entrañable de lo habitual, pero tan genial o más que en sus colaboraciones con Berlanga) hace todo lo que está en su mano para convencer a su familia. Vende las joyas de la familia, finge problemas en las piernas... tan patético como coherente con su deseo. La pega es que la familia sigue negándoselo, pero todo tiene un precio, a saber si el personaje de Isbert está dispuesto a pagarlo. “El cochecito” se apoya en su excelente guión y en la sublime labor de Isbert, pero flojea (muy levemente) en ciertas parcelas de su segundo acto y lo que fastidia que la censura (que en este caso también obligó a alterar el título original, pues iba a ser “Todos somos paralíticos”) no permitiera el desenlace deseado. Menos mal que, por lo que he leído, podré disfrutar hoy de él en “Versión Española”. De todas formas, una cinta excelente... y al fin con Isbert y López Vázquez algo más de tiempo juntos.

En fin, ojalá todas las sesiones dobles del futuro tengan este nivel, significará que estoy ante cine del realmente bueno (iba a poner cojonudo, pero igual no quedaba bien :P)

La trama de la película es muy llamativa y, a buen seguro, podría haber dado lugar a una excelente película de terror: Waldo Trumbull es el dueño de una ruinosa funeraria que está acuciada por las deudas. Comparte lugar de trabajo (y vivienda) con su esposa Amaryllis, una antigua aspirante a cantante de ópera a la cual desprecia, su ayudante, un desastroso ex-ladrón al que humilla siempre que puede y que está enamorado de Amaryllis, y su suegro, al que intenta matar cada dos por tres. Ante tal panorama desolador, Trumbull decide que con reutilizar el mismo ataud durante 13 años no es suficiente para evitar el desahucio, así que, con la colaboración de su ayudante (al cual chantajea para que acepte), decide acelerar la muerte de ciertas personas para evitar su ruina. Lo malo es que va a ser peor el remedio que la enfermedad...

El eje sobre el que se asienta la película es el modélico guión de Richard Matheson (la labor de Tourneur es muy estimable, pero esta es una película cuyos principales méritos no vienen de la puesta en escena), el cual consigue una estimulante mezcla entre la comedia y el cine de terror que desconcierta al espectador ante la dificultad de encontrar en su memoria otra cinta que se le asemeje. Vale, mezcla entre humor y terror hay muchas, pero el caso de La Comedia de los Terrores es especial. Un aire entre lo decadente y lo grotesco rodea a la funeraria de Trumbull y lo discutible de sus acciones se aligera a la perfección con su banda sonora, la cual fomenta el clima paródico que se adueña de los personajes, en especial del interpretado por un Vincent Price. Es difícil describir el tono de La Comedia de los Terrores, porque resulta tan inusual que hay que ver la película para conseguir captarlo.

Los actores son el otro punto fuerte de la película. Price realiza una memorable actuación cargada de autoparodia y en la que incide mucho en la importancia de los gestos. Hay un par de momentos aislados (a mi gusto se incide demasiado en el momento más feliz para su personaje) en los que se excede, pero su magnífica composición a lo largo de los escasos 80 minutos de metraje (lo bueno si breve...) lo compensa con creces. A su lado encontramos a un apocado Peter Lorre, algo desmejorado con los años y que brilla menos que Price, pero es que su personaje no permite mucho más . Lorre destaca cuando la película incide en su gracioso pasado como desastroso ladrón. El tercer grande del género fantástico que aparece en la película es Boris Karloff, en un personaje mucho más pasivo de a los que nos tiene acostumbrados el protagonista de la notable El ladrón de cadáveres. Su presencia como anciano al que se le va la cabeza resulta la mar de simpática (impagable su panegírico) y decisiva para la inmejorable resolución del relato.

Entre el resto del reparto (obviando la efectiva presencia de Joyce Jameson como la esposa de Trumbull) destaca Basil Rathbone como John Black, dueño de la propiedad donde está la funeraria y víctima potencial de Trumbull en su malvado (y delicioso) plan. La actuación de Rathbone está dominada por un histrionismo (y por Shakespeare, pues no para de recitar frases del escritor británico) muchas veces molesto, pero que se ajusta a la perfección a la función que su personaje desempeña en la película. Por último, destacar la presencia de un gato (en los títulos se menciona su nombre, supongo que tendría cierto caché en la época) como mascota de la familia, porque siempre me han molestado bastante la inclusión de animales como el Asta de la saga de La cena de los acusados (brillantísima primera entrega, claramente inferiores las otras entregas de la saga). Por fortuna, el gato funciona muy bien como testigo de los alocados acontecimientos que acontecen en la funeraria y la calidad de la película no ha de pagar el peaje de introducir escenas que no vienen a cuento y entorpecen las acciones de los auténticos protagonistas.

La Comedia de los Terrores es una joya del cine que sufrió un injusto fracaso en la época que la condenó al olvido por parte de muchos, pero que recomiendo encarecidamente a todo el mundo porque el buen cine debería gustar a todo el mundo y La Comedia de los Terrores pertenece a ese grupo.

Hay muchas veces en las que uno se topa por casualidad con un fragmento de algo que logra interesarle lo suficiente para desear terminar de verlo. Pues exactamente eso me sucedió con “Encuentro en París” cuando mi profesor de guión nos puso su inicio a modo ilustrativo de una explicación. La película contaba con un estilo muy original para mostrarnos el proceso creativo del personaje protagonista, un guionista de cine muy poco dado al trabajo. Por desgracia, la clase debía continuar y la cinta de Richard Quine permaneció en mi memoria como una de los muchos filmes que debería ver en cuanto pudiera. El problema es que, no sé vosotros, pero mi lista de “must see” es casi interminable y tampoco disponía de ella, así que todo la abocaba a un olvido indeseado como me ha pasado con muchas otras cosas. Afortunadamente, unos meses después una persona me la ha prestado y he podido confirmar lo que ya sospechaba a partir de los 20 minutos que pude ver en su momento.

Un guionista ha sido contratado para escribir un guión con el sugerente título de “La chica que robó la Torre Eiffel”, pero en vez de ello ha preferido darse la buena vida y ya sólo faltan 2 días para la fecha de entrega. Es entonces cuando decide contratar los servicios de una atractiva mecanógrafa (no podía ser de otra forma con su merecida fama de mujeriego) para hacer el guión. Como es obvio la relación entre ellos se va estrechando paulatinamente a medida que avanzan en el guión. La verdad es que en el fondo “Encuentro en París” dista bastante de ser novedosa, pero es en la forma donde la película consigue atraparnos de forma irremediable con su sentido del humor. Ojo, que nadie se espere el típico humor suave de toda comedia romántica (aunque algo sí que hay), porque el que busque eso se va a sentir muy decepcionada.

La película apuesta por un humor entre alocado y delirante que alcanza su punto álgido hacia mitad de metraje con la antológica idea para el guión que propone el personaje interpretado de forma magistral por Audrey Hepburn. Yo creo que sólo con ver ese momento ya se puede saber si “Encuentro en París” va a ser una cinta que consideres memorable o un bluf considerable. Yo me sitúo en el primer grupo. Además, por si eso fuera poco, tenemos como regalo varias bromas muy efectivas relacionadas con la escritura de un guión (sobre todo las relacionadas con llamar a un personaje con su profesión junto a un número en vez de con un nombre). No obstante, circunscribir su tono humorístico a un único estilo sería un error, ya que el delirio de la representación de lo que el personaje de William Holden (un cínico mucho menos ácido que el que también interpretó a la perfección en la excelente “Traidor en el infierno”) escribe se contrapone el aire más ligero y romántico de la “realidad” de la propuesta. No obstante, lo que importa es que todo encaja perfectamente y eso sucede en “Encuentro en París” salvo por nimios detalles.

Ya he apuntado la presencia de Audrey Hepburn y William Holden (que ya coincidieron en la notable “Sabrina”, aunque él tenía un papel secundario en esa ocasión), pero conviene pararse un momento en su trabajo. Que Audrey es adorable es algo que considero fuera de toda duda desde hace ya muchos años y ella incide mucho en esa faceta para la ocasión. Sus gestos y reacciones a los comentarios del personaje de Holden hacen imposible no caer rendido al encanto de su Gabrielle. Además, uno no sólo adora a su personaje, sino que en un determinado momento alcanza unos niveles de belleza (esa melena suelta ladeada) y sensualidad insospechados que te enamora durante unos instantes y te hace comprender la transformación de Richard, al que da vida Holden de forma excelente. No voy a ocultar que Holden queda eclipsado en varios momentos por la brillantez del trabajo de Audrey, pero ofrece una muy estimable actuación que luce más en los primeros minutos de metraje, es decir, cuando el cinismo de su personaje resulta más acentuado. No quiero dejar de comentar el maravilloso cameo de Tony Curtis (el cual seguramente aceptó el papel para hacer un favor a Quine, ya que fue el protagonista de la siguiente cinta del director) como uno de los personajes del guión que escribe Richard. Su primera aparición como actor de baja estopa pero mucho ego resulta divertidísima y el juego que da la oscilación de su nombre entre Maurice y Philippe también se salda de forma afortunada.

Al final lo que “Encuentro en París” nos ofrece es una historia de amor de la que ya conocemos su desenlace antes de verla, pero en el viaje que nos propone la película nos lo hemos pasado tan bien y ha sido tan distinto a lo que las comedias románticas nos suelen ofrecer que ese detalle resulta irrelevante. Ya estáis tardando en verla.

Dedicado a Laura por conseguir que “Encuentro en París” no acabara en el olvido al que parecía destinada. A ver si la has disfrutado (porque ya deduzco que no leerás esto hasta que la hayas visto) incluso más que yo :)